jueves, 28 de junio de 2007

María Bethania


Maria Bethânia Vianna Telles Veloso.

Nace en Santo Amaro da Purificação, Bahia, el 18 de junio 1946. Maria Bethânia es una de las principales interpretes nacionales de la generación de los años 60.

Hermana de Caetano Veloso, fue la primer artista del grupo bahiano en comenzar su carrera en el sur del Brasil. Al popularizar la música Carcará, en 1965, quedó identificada como cantante de protesta.

Luego, abrió el abanico de su repertório, pero prefirió no participar del movimiento tropicalista organizado por sus colegas (gal costa, caetano, gilberto gil, tom zé).

En 1971 con "Rosa dos ventos" inícia una série de shows de elaboración teatral que la consagran definitivamente.

Ainda em 2003,no dia 23 de setembro, Bethânia cria o selo Quitanda, em parceria com Kati Almeida Braga, pelo qual é lançado o CD Brasileirinho, outro nome não poderia ter, pois mais brasileiro que ele só o Hino e Bandeira Nacionais, torna-se uma unanimidade de crítica e público, vencedor do Prêmio Tim de Música como o melhor disco da MPB e Bethânia melhor cantora. Também foi indicado para concorrer no Grammy Latino-2004 nas categorias de Melhor Projeto Engenharia de Gravação e Melhor Álbum de MPB.

Em 24 fevereiro de 2005, Bethânia lança o cd em homenagem a Vinicius de Moraes, cujo nome é Que Falta Você Me Faz, segundo ela trata-se de uma declaração de amor alucinado por ele. O disco além das músicas do poeta traz também o diferencial de Bethânia, que são os poemas e textos. Associado ao lançamento do cd, Bethânia também comemora os seus 40 anos de carreira, fazendo uma turnê pelo país e exterior com o show Tempo, tempo, tempo, tempo.

Hace ya varios años que la bahiana edita en forma independiente, detalle que amplió aún más su libertad artística. Sin necesidad de superviviencia a través de hits, profundiza diferentes temáticas. Si en Brasileirinho (03) alternó canciones con poemas de De Andrade y Guimaraes Rosa para deslizar un mensaje ecologista y religioso, afín al sincretismo afrobahiano, ahora sigue combinando recitado y canto en dos CDs que editó en simultáneo y que tienen como eje conceptual el mar. Dos trabajos formidables: Mar de Sophia y Pirata.

Mar de Sophia está basado en textos de la escritora portuguesa Sophia de Mello Breyner y tiene pasajes altísimos: desde el comienzo con el clásico de Toquinho y Vinicius Canto de Oxum hasta creaciones de Caetano Veloso, Arnaldo Antunes, Tom Jobim, Dorival Caymni. Hay una canción que se destaca, de una belleza casi intolerable: Poema azul, de Sergio Ricardo, que prologa el poema de Sophia Mar Sonoro. El dramatismo de la voz de Maria Bethánia le da una tensión teatral a cada interpretación: es, de acuerdo al tema, todo desolación, tristeza o melancolía. En Poema azul es melancolía.

Pirata es un disco un poco más luminoso que se introduce en el alma de Fernando Pessoa a través del célebre Os Argonautas, de Caetano (navegar es preciso...) y viaja al fondo de la música popular brasileña con el clásico que hacía Carmen Miranda De papo pro ar. Siempre merodeando puertos, playas y marineros, Bethánia cita a Guimaraes Rosa, le canta a Santo Amaro y navega sobre sambas antiguos más o menos festivos.

Cristaliza entonces un modelo de interprete dramática de gran carisma en el escenário, que la particulariza entre las cantantes brasileñas.

La sólida carrera que construyó también se apoya en sucesos como "A tua presença", "Esse cara", "Drama", "Coração ateu", “Negue” y otros.

Es la sexta descendiente de Joao Telles Velloso, operario público del Departamento de Correos y Telégrafos, y de Claudionor Vianna. Quien le dio el nombre fue su hermano Caetano. Con sólo cuatro años, ella sabía cantar un vals del compositor pernambucano Capiba, un éxito de la época en la voz de Nelson Gonçalves, y que tiene como primer verso "Maria Bethânia tú eres para mí la señora del ingenio".

Música y Perfume: El film nos sumerge en el universo de la música brasileña guiados por la mano de Maria Bethânia, la más célebre de las cantantes de ese país. Icono de la contracultura antes de convertirse en la reina de las baladas románticas, Maria Bethânia, al dejarnos penetrar en la intimidad de su trabajo, nos ofrece la ocasión soñada de comprender la historia de la música de su país desde el interior. Bethânia recorre su trayectoria como una especie de eco en relación con la evolución de la sociedad brasileña y de su música. A su alrededor, el director Georges Gachot ha reunido un grupo de talentos como Caetano Veloso, Chico Buarque, Gilberto Gil, Nana Caymmi y Miúcha, todo ellos actores y testigos de una de las más ricas historias musicales de nuestro tiempo.

Georges Gachot también filmó un documental sobre la pianista argentina Mata Argerich

Maria Bethania canta como un joven árbol que quema en una crepitación de madera que se extingue hacia lo alto. Todo es combustión en esta extraordinaria cantora. (Vinicius de Moraes).

Maria Bethania tiene una mirada conceptual de la música. Ella toma autores, compositores y poetas como Noel Rosa. Chico Buarque, Caetano, Roberto Carlos (Las canciones que hiciste para mí), Fernando Pessoa y Joao Guimaraes Rosa o temáticas como el carnaval, la ecología y el sincretismo bahiano para dar cuenta de su lugar ideológico y estético en el mundo.

Es así que Bethania logra versiones extraordinarias. Su extraña entonación, esa tensión de su timbre único siempre al borde del desgarramiento potencia la poética alternativamente desolada y hedonista de las canciones que escoje para sus grabaciones.

martes, 12 de junio de 2007

Omara Portuondo



Omara Portuondo es una de las grandes cantantes de Cuba de los últimos 50 años, sin lugar a dudas.

Omara tiene una historia familiar bastante curiosa. Hija de padres que desafiaron las costumbres de la época —su madre provenía de una familia rica de origen español y su padre jugaba basketball en el equipo nacional cubano, era negro y no pertenecía a ninguna familia de la "alta sociedad"— Omara fue la segunda de tres hijos, nacida en el barrio Cayo Hueso de La Habana, el 29 de octubre de 1930.

A pesar de no tener fonógrafo en casa, la música siempre estaba presente en el hogar de los Portuondo. Omara se crió escuchando a sus padres cantar las mismas canciones que aún hoy, después de 50 años de carrera musical, forman parte de su repertorio. Con el tiempo, llegaría a conocer y admirar a figuras como Ernesto Lecuona, Isolina Carrillo, Bola de Nieve, Rita Montaner, Benny Moré, Arsenio Rodríguez y otros.

La carrera de Omara comenzó casi por casualidad. Haydée, la hermana mayor de Omara, trabajaba como bailarina en el mundialmente famoso Cabaret Tropicana, y siempre llevaba a su hermanita, quien no perdía oportunidad de copiar los pasos de baile y presenciar los ensayos de las bailarinas. Un buen día, Omara tuvo la suerte de que le ofrecieran reemplazar una bailarina que había renunciado dos días antes, después de una premiere. Mientras trabajó como bailarina en el Tropicana, su pareja de baile fue Rolando Espinosa, considerado por entonces como el mejor rumbero de Cuba

Acompañadas por unos amigos, las hermanas Portuondo tenían la costumbre de cantar jazz americano. Entre ellos, se encontraban Cesar Portillo de la Luz, José Antonio Méndez y el fallecido pianista Frank Emilio Flynn. El nombre de su compañera era Eva Martiatu, y gracias a ella y a otros músicos aficionados, como Justo Fuentes y Tania Castellanos, forma parte del núcleo de artistas que formarían el 'movimiento del filin'.

Bajo el rimbombante nombre de Loquibamba Swing, interpretaban una versión cubanizada del bossa nova, mezclándolo con influencias de jazz americano, en lo que se denominó "filin" (por 'feeling', vocablo inglés que significa "sentimiento"). Durante su primera presentación en radio, Omara Portuondo fue presentada por un locutor de la Mil Diez como "la señorita Omara Brown, la novia del filin" (un sobrenombre que aludía a su aptitud para cantar temas en inglés).

Por esta época conoce a una tímida pero talentosa muchacha llamada Elena Burke, quien la pone en contacto con el Cuarteto de Orlando de la Rosa, con quien recorre Estados Unidos en una gira que se extendió por seis meses. Como ella misma reconocería años después, el trabajo diario con esta agrupación fue su mejor y más importante escuela.

Corre el año 1951. Omara se incorpora al grupo musical femenino "Las Anacaonas", para, un año después, formar junto a su hermana Haydeé, Elena Burke y Moraima Secada, el cuarteto "Las D´Aida", bajo la dirección de la pianista Aida Diestro, quien descubre las verdaderas condiciones musicales de Omara, enseñándole a interiorizar los temas y a transmitir el contenido de cada canción

El Cuarteto D'Aida, realizó varias giras por Estados Unidos, compartiendo escenarios con Edith Piaf, Pedro Vargas, Rita Montaner, Bola de Nieve y Benny Moré. y sirvieron como acompañantes de Nat "King" Cole cuando este se presentó en el Club Tropicana.
Infortunadamente, este grupo vocal solo grabó un sencillo, fechado en 1957 para la RCA-Victor en compañía de Lucho Gatica. Dos años después aparecería el álbum debut de Omara Portuondo bajo el nombre de "Magia Negra", un trabajo musical que incluía música cubana y algunas versiones de standards del jazz americano como "Caravan" de Duke Ellington y "That Old Black Magic".

A raíz de la crisis de los misiles en Cuba, las relaciones diplomáticas entre el gobierno de Castro y los Estados Unidos llegaron a un drástico final. Las hermanas Portuondo se hallaban en Miami, y Haydé decidió quedarse en el país del norte, mientras que Omara regresó a La Habana y en 1967, después de quince años juntas, dejó el cuarteto vocal para continuar su carrera solista.

Omara representó a su país en el Festival Sopot de Polonia -una versión socialista del concurso de canto Eurovisión- cantando "Como un Milagro", original de Juanito Márquez, con quien también grabó el álbum "Esta es Omara Portuondo".

Durante la década del 70 cantó con la Orquesta Aragón, viajó a Francia, Japón y algunos países comunistas. Durante los años 80, cabe destacar las grabaciones junto a Adalberto Álvarez (1984) y en los años 90 grabó junto a Chucho Valdés el álbum "Desafíos", publicado por el sello español Montenegra.

A pesar de su extensa carrera musical, no sería sino hasta 1997 que el nombre de Omara Portuondo recibe el reconocimiento mundial que merecía. Con el lanzamiento del álbum "Buena Vista Social Club" —ganador del Grammy— y el "boom" del son cubano a nivel mundial, Omara le daría un segundo aire a su carrera artística, consiguiendo en dos años lo que no había podido lograr con tres décadas de carrera profesional.

La historia es algo simpática. En 1996, Omara se hallaba en los Estudios Egrem de La Habana, trabajando en su próximo álbum, cuando comenzaron las sesiones de grabación del "Buena Vista Social Club". Omara recibió una invitación por parte de los productores del proyecto, y canta junto a Ibrahim Ferrer el bolero "Veinte Años". Posteriormente, participaría en el álbum "Buena Vista Social Club Presents... Ibrahim Ferrer" —el siguiente álbum de la serie— y, finalmente, en el tercero, llamado "Buena Vista Social Club Presents... Omara", catalogado por muchos como el mejor disco de la veterana cantante, tanto por la selección de temas como los arreglos que recrean diversas formas musicales que representan más de 70 años del devenir musical cubano.

A partir de ese momento se suceden las giras: Japón, Bulgaria, antigua Checoslovaquia, Alemania, Francia, Italia, Suiza, los países nórdicos, España y todo el continente americano, desde Chile hasta los Estados Unidos, llevando a los mejores escenarios del mundo ritmos tan cubanos como el Fílin, la nueva trova, canción tradicional cubana, el son, el danzón, el bolero y la habanera. En Septiembre del 95 estremeció al Canecao, templo de la música y la canción en Río de Janeiro, durante un concurrido concierto para presentar su disco Flor de Amor, candidato a Grammy Latino.

Hay un proyecto en el que Omara grabaría un disco junto a María Bethania, hermanando las tradiciones musicales de sus países. Y recientemente ha grabado una versión de “Libertad desde mi tierra” que ya se escucha en emisoras y discotecas cubanas. Es un tema de Joel Guilian (36 años) con su propia banda, y que es una fusión de la Conga tradicional con ritmos y arreglos de pop-rock y dance.

A lo largo de sus extensas giras mundiales, Omara Portuondo ha cosechado importantes premios y su voz ha conquistado a los más exigentes auditorios del planeta. Con su voz atemporal, que ha sobrevivido el paso del tiempo y el devenir de las modas y las estrategias de mercadeo, Omara se ha ganado un lugar entre las divas de la canción de todos los tiempos.

Actualmente sigue cantando en el Tropicana, en el Delirio Habanero y en el Café Cantante, y viviendo en La Habana, en un departamento con vista al mar cerca del Malecón.

Esperamos tener durante más años con nosotros a la "Sonera Mayor", la cubanísima Omara Portuondo, la voz del sentimiento y la sensibilidad de nuestro Ritmo Cubano.

Su extensa discografía cuenta con alrededor de 25 discos. El primero fue Magia Negra en el 58, más las colaboraciones realizadas con Buena Vista y muchos otros en alrededor de 20 discos.

Ha participado en tres películas y se ha realizado un documental sobre su vida y su carrera.


martes, 5 de junio de 2007

Mina




Mina Anna Mazzini más conocida por su nombre artístico Mina, es una de las cantantes más reconocidas de Italia. Nació en Busto Arsizio, Lombardia, Italia, el 25 de marzo de 1940, aunque creció en Cremona, ciudad que le ha valido el sobrenombre popular de "Tigresa de Cremona".

Su primera incursión en el mundo de la canción fue en 1958, en un local de la comuna italiana de Pietrasanta llamado La Bussola, con la canción "Un'anima pura". En aquel periodo, bajo la influencia del rock and roll que invadía Italia, grabó en inglés los sencillos "Be Bop A Lula" y "When" con el seudónimo de Baby Gate.

Debutó en televisión en 1959, en el programa Il musichiere, cantando "Nessuno". En 1960 y en 1961 participó en el Festival de Sanremo con las canciones "È vero" y "Le mille bolle blu" respectivamente.

Durante los años 60 y 70 su popularidad comenzó a crecer. Se convirtió, junto a Lucio Battisti, en una de las voces más populares de Italia. Empezó a darse a conocer fuera de su país grabando canciones en español, francés, turco y japonés.

En 1974, presentó con Raffaella Carrà su último programa nocturno Milleluci. En 1978 tienen lugar sus últimos conciertos en directo y apareció en televisión por última vez interpretando la canción "Ancora, ancora, ancora". Se trasladó a Lugano en la primera mitad de los años 70, donde abrió la sede de su estudio de grabación y pidió, obteniéndola en 1989, la ciudadanía suiza.

Creadora de un estilo inimitable y portentoso, donde se juntan ampliamente los estilos de la música culta y el Jazz, donde la melodía no es exactamente el único factor definitorio de una música popular. Su música única y poco disonante fluye siempre en contraposición a su tormentosa vida, su genio y glamour unidos a la desgracia y al desamor que tan presente estaban en sus letras.

De 1978 a 1995, Mina publicó un doble disco cada año, alternando cover y canciones inéditas de cantautores italianos, como Lucio Battisti y Renato Zero, con quien grabara a duo, el tema "Tutti gli zeri del mondo" (Todos los seres del mundo), y sólo en 1996 su producción comenzó a ralentizarse, hasta llegar a 2004, primer año desde el inicio de su carrera en el que no editó ningún disco.

Hoy, Mina Mazzini vive su retiro de los escenarios en una lujosa residencia suiza de Lugano, donde tiene su propio estudio de grabación y desde donde, sin dejarse ver ni fotografiar (tiene 63 años y dicen que ha engordado más de lo que su autoestima le permite exhibir), mantiene sin embargo la misma voz privilegiada y sigue entregando un doble CD por año. Un material que en estas latitudes es difícil —y costosísimo— encontrar.

Con motivo del lanzamiento del CD Dalla Terra se encaró un proyecto web http://www.minainvaticano.com/ con imágenes de 360º de los monumentos de la iglesia a manera de una visita virtual.

En la película Tacones Lejanos se ve un homenaje a ella en la piel de Marisa Paredes (y Miguel Bosé) con la canción Un año de Amor, que interpretara Luz Casal

Este disco L’allieva, de canciones de Sinatra, es ante todo un disco de Mina, con guiños y provocaciones a otros cantantes.

Cabe mencionar también el espectacular desarrollo de las artes de tapa de cada uno de los cds de MINA. Han aparecido cds con radiografías, puzzles (Dalla Terra), ella con barba (Salomé), con cuerpo de fiosicoculturista (Rane Supreme), con su cabeza transformada en un proyector de cine (Sorelle lumiere), imitando a distintos pintores como Botero (Caterpillar), Leonardo (etc.

Se habla de otro cd que estaría al salir realizado conjuntamente con Almodóvar con canciones en castellano. (14 de Julio del 2006).

Milva


Milva (Maria Ilva Biolcati) nace el 17 Julio 1939, en Goro, un pueblo cercano a Ferrara. Apodada La Pantera di Goro (68 años)

1959, participa en un concurso dedicado a nuevas voces, de la RAI, junto a otros 7600 participantes, en el que acaba en el primer lugar.

Su carrera discográfica se encauza hacia un repertorio muy intenso, entre otras con las canciones de Edith Piaf, Bertold Brecht, Peter Weiss, Kurt Weill, Ennio Morricone con quien trabaja en el 72, Amalia Rodríguez (fado portugués), Mikis Théodorakis, Vángelis, etc.

En la década del 80 se encuentra con Piazzola en un recital Llamado “El Tango” en el Olimpia de París, y en el 85 aparece el album "Milva e Astor Piazzolla live at the Bouffes du Nord".

Con Astor colaboró durante 7 años

Actualmente continua brindando sus espectáculos de Tango Piazzoliano y de canciones de Brecht y Weill en los escenarios de todo el mundo, junto a algunas puestas de la Operita Maria de Buenos Aires, y a La Vera Storia, con letra de Italo Calvino y música contemporánea -«la más difícil, según la cantante»- de Luciano Berio.

Ha grabado alrededor de 50 albumes (enrtre Lps y Cds) entre los que destacamos:
Milva and Astor Piazzolla live at the "Bouffes du nord" (1985)
Milva el tango de Astor Piazzolla (Live in Japan 1998, doppio)
La chanson française (2001)
Canzoni di Edith Piaf (1970)
Milva canta Brecht (1971)

San Remo: 14 apariciones, diversas apariciones en cine especialmente de los 60 y 70

CINE: al menos 7 films como "La bellezza di Ippolita", junto a Gina Lollobrigida y Enrico Maria Salerno, 1972 junto a Silvana Mangano "D'amore si muore y colaboraciones con Wim Venders y Werner Herzog

Martes 7 de octubre de 1997 se presentó en Baires con el quinteto de Daniel Binelli en Parque Centenario, haciendo gala de histrionismo.

Astor la consideró una de sus intérpretes favoritas, y le pidió que lo acompañara en varias giras mundiales.

En deremate se ofrece un programa del show que hizo con piazzola en el Opera de Baires en Junio del 85 por 70 pesos

En amazon tenemos casi toda su discografía (más de 100 ítems) incluyendo el que escuchamos

Astor antes de morir le regaló un Ave María que solo ella puede cantar ya que es propietaria de sus derechos.

Pero quizás sea Canti della libertà el disco más recordado de la italiana, que incluía Los cuatro generales, una canción contra la dictadura de Francisco Franco. Se convirtió en persona non grata en España y le vetaron la entrada al país. Su actitud crítica le valió, en los 60, el nombre de la Pantera de Boro

Sarah Vaughan


Sarah Lois Vaughan (Newark, 27 de marzo de 1924 – Los Ángeles, 3 de abril de 1990), Sarah Vaughan (pronunciado Vo:n), apodada Sassy y La Divina, cantante estadounidense de jazz. Junto con Billie Holiday y Ella Fitzgerald, está considerada por muchos como la más importante e influyente voz femenina del jazz, aunque su magisterio se extiende a toda el área de la música popular.

La voz de Vaughan se caracteriza por su tonalidad grave, por su enorme versatilidad y por su control del vibrato; su tesitura, similar a la de una cantante de ópera, le permitía saltar del registro grave al de soprano con gran facilidad.

Sarah Vaughan fue uno de los primeros vocalistas en incorporar el fraseo del bebop a su canto, situándolo además, en su caso, al nivel de instrumentistas de la talla de Charlie Parker y Dizzy Gillespie.

Sus capacidades más destacadas son su inventiva armónica y su alto sentido de la improvisación.

A lo largo de los años, su voz se fue haciendo más oscura, aunque no llegó a perder nunca su poder y su flexibilidad. Fue también una maestra en el scat.

Vaughan cantó en su infancia, como otras muchas cantantes de jazz, en la iglesia; recibió, además, intensas lecciones de piano entre 1931 y 1939.

Tras ganar un concurso para aficionados en el Apollo Theater, se unió a la big band de Earl Hines como cantante. No ha quedado registro sonoro de esta colaboración de los años 1943-1944.

Cuando su gran amigo el también cantante negro Billy Eckstine formó su propia orquesta, Sarah se unió a él, haciendo su debut en la grabación discográfica. En la orquesta de Hines recibió la influencia de Charlie Parker y Dizzy Gillespie.

Aunque hacia 1945 su imagen fuera mejorable (su primer marido George Treadwell la habría de ayudar mucho en este aspecto), su voz era ya incuestionable.

Realizó unas primeras grabaciones para la compañía Continental entre las que destaca la del 25 de mayo de 1945, en la que estuvo acompañada por Gillespie y Parker. Sin embargo, fueron sus grabaciones de entre 1946 y 1948 para Musicraft (que incluían temas como "If You Could See Me Now", "Tenderly" y "It's Magic") las que demostraron su maduración como cantante y su fraseo orientado al bop aplicado a las canciones populares.

Firmó con Columbia y grabó para ella durante el periodo 1949-1953, consolidando su popularidad. Aunque algunas de estas grabaciones tienen un matiz típicamente comercial, sus ocho temas grabados con la banda de Jimmy Jones durante el 18 y 19 de mayo de 1950 se encuentran entre sus interpretaciones más memorables, demostrando su capacidad indudable para cantar jazz.

Durante los años cincuenta, Sarah grabó para Mercury música pop con orquestas, y material puramente jazzístico para el sello subsidiario de aquel, EmArcy, entre el que se encuentra su muy elogiada colaboración con Clifford Brown.

Más tarde, grabaría para Roulette (1960-64), volvería a Mercury (1963-67) y, tras un periodo de inactividad de cuatro años, para Mainstream (1971-74); Vaughan estuvo también en el sello Pablo de Norman Granz desde 1977 a 1982.


Nacida de un carpintero guitarrista aficionado al blues, y de madre lavandera pero pianista y organista en la Iglesia, la cantante Sarah Vaughan estaba destinada desde pequeña a inclinarse por la música, integrándose en la Iglesia Baptista del Monte-Sión como organista, pianista y miembro del coro.

En 1943 su vida tomó contacto con el jazz cuando ganó el concurso anual del Apollo Teathre de Harlem para cantantes noveles. Ella Fitzgerald, que había ganado ese mismo concurso la década anterior, le animó y fue presentada al cantante Billy Eckstine, quién a su vez la recomendó a su jefe de orquesta, el pianista, Earl Hines.

Contratada con apenas diecinueve años por Earl Hines como cantante y segunda pianista de la orquesta, tuvo la inmensa fortuna de que por aquella formación pasaran los jóvenes músicos de New York que estaban cambiando el jazz con el sonido nuevo conocido como bebop: Charlie Parker y Dizzy Gillespie.

Extraordinariamente apreciada en los círculos del jazz moderno, se casó con el trompetista George Treadwell y en 1947, obtuvo su primer gran éxito de ventas con "Its Magic".

En 1949, cuando firmó contrato con el poderoso sello Columbia, obtuvo el primer puesto de las grandes revistas especializadas en jazz en la categoría de cantantes.

La década de los cincuenta fue su mejor época como cantante. Afortunadamente supo reprimir los intentos de su casa discográfica para convertirla en una especie de estrella moderna de la canción y su aparición al frente de un octeto con Miles Davis en 1950 cantando una excelente versión de "Mean to Me" la consagró definitivamente como una gran cantante de jazz.

Se prodigaron sus actuaciones en el Carnegie Hall, realizó su primera gira europea en 1951 con un éxito absoluto y todavía el éxito fue mayor en la posterior de 1954. Insatisfecha con su contrato en Columbia ya pesar de sus extraordinaria ganancias económicas, Sarah abandono en 1953, a la terminación del contrato, su relación con el poderoso sello y buscó una discográfica mas acorde con sus planteamientos musicales.

En 1954 fichó por el sello Mercury, donde estuvo hasta 1959, y posteriormente, en la ultima fase de su carrera, fue contratada desde 1963 hasta 1967 por el sello Roulette. En ambos, Sarah Vaughan dejó su mejor legado discográfico.

Para la filial de Mercury, "Emarcy", Sarah Vaughan grabó entre 1954 y 1959, en directo o en estudio y con su fabuloso y regular trío: el pianista, Jimmy Jones, el contrabajista, Joe Benjamín y el baterista, Roy Haynes, una serie de discos extraordinarios y al menos una obra maestra absoluta con la colaboración del trompetista, Clifford Brown: El álbum titulado: "Sarah Vaughan" (Emarcy, 1954).

Un breve periodo fuera de Mercury, fue aprovechado por la cantante para firmar por el sello Reprise, a principios de los sesenta. Su vuelta a la casa Mercury, no fue tan fructífera como el periodo anterior, y frente a fantantiscas grabaciones como la acaecida en 1963 en directo desde el Tivoli Garden en Copenhague, se encuentran intrascendentes versiones de Los Beattles o de la canción pop.

En 1967 su retirada de los estudios se vio compensada por la intervención en numerosos programas televisivos, principales festivales, teatros y clubes.

En 1971, firma por el sello Mainstrean con quien estuvo hasta 1974, dejando en sus arcas un extraordinario concierto en Japón.

En 1978, el productor Norman Granz la incorporó a su elenco de artistas y a su sello Pablo, donde permaneció hasta 1982 dejando tambien algunos discos extraordinarios como el dedicado a la música de Duke Ellington.

En 1982 colaboró con Michael Wilson Thomas y varias orquestas filarmónicas interpretando el repertorio de Gershwin, obteniendo un premio Grammy por la grabación que la CBS efectuó en su concierto de Los Ángeles.

En 1989, grababa un dueto con Ella Fitzgerald sobre "Birdland" bajo la dirección de Quincy Jones, pero el tabaco había empezado a quebrantar su salud y murió, victima de un cáncer de pulmón en abril del siguiente año.

Discografía sugerida:

16 Most requested songs
Live in Japan
In the land of Hi Fi
Sarah Vaughan with Clifford Brown (trumpetist)
After Hours
Sarah sings soulfully
The Ultimate Sarah Vaughan
At Mister Kelly’s
Swinging easy
The essential S.V.
Brazilian Romance
The Irving Berlin Songbook

Jean Cocteau


Como el genio es una desobediencia a las reglas de la norma, trasciende en el terreno del alma lo que se acostumbra a llamar “vicio” en el terreno del cuerpo, y que no es otra cosa que una desobediencia del organismo a las costumbres admitidas de una libre disposición de los sentidos, de una audacia que consiste en encarar como un fin de lujo el medio que la naturaleza emplea para perpetuarse a ciegas.

De vida larga aunque conoció el exceso, Jean Cocteau nació en Maisons-Laffitte (Seine-et-Oise) en 1889 y murió en Fontainebleau 74 años después. En su larga existencia -sobre todo para un hombre que había sido opiómano como él mismo fue a manifestar en "Opio. Diario de una desintoxicación" (1930)- tuvo tiempo de cultivar el cine, la música y la pintura. Maestro por igual en todas estas artes, no obstante, habría de ser la literatura la que le llevara a la Academia Francesa en 1963. Pero que no haya dudas, Cocteau no fue en modo alguno un autor bendito, al gusto de los juegos florales por los que invariablemente discurre la cultura oficial.

La de nuestro poeta fue una experiencia alucinada e innovadora. Referencia obligada en la nómina de todas las vanguardias, Jean Cocteau -quien nunca llega a adherirse por completo a ninguna de ellas- es uno de los grandes nombres de la heterodoxia francesa del pasado siglo. Promotor de los primeros conciertos de jazz que se organizaron en París, fue amigo de Picasso, Stranvinski y Apollinaire.

Los comienzos de su carrera literaria se remontan al año 1912, cuando aparece su primera colección de versos. En ellos combina la fantasía resultante de su contacto con los pintores cubistas con la métrica del siglo del siglo XVI. A la sazón, ese escándalo, que más de 50 años después añoraría André Breton en sus últimas conversaciones con Luis Buñuel, aún era la reacción habitual por parte de la burguesía ante determinadas manifestaciones artísticas y el Cocteau de sus primeros libros no tardaría en convertirse en uno de los mejores ejemplos de autor escandaloso. Ahora bien, la provocación, en modo alguno, va a amparar la falta de calidad. Con el mismo acierto que se se adhiere a las singularidades tipográficas de Mallarme, Cocteau puede volver a las formas de Rosanrd.

Si variada fue su actividad artística en general no lo fue menos la literaria. Así, tras darse a conocer como poeta lírico, lo hace como dramático en "Antígona" (1927), primera de sus distintas interpretaciones escénicas de los mitos clásicos. En tanto que el Cocteau ensayista se puso en marcha con un volumen dedicado a Picasso a aparecido en 1924, el novelista lo había hecho un año antes con la publicación en 1923 de "Thomas el impostor", fascinante fábula acerca del revés de la impostura. Su obra maestra, en cuanto a su actividad novelística se refiere, data de 1929. "Los niños terribles" es su título y su propuesta, la crónica de un incesto entre unos hermanos caprichosos e insoportables que ejercen un especial magnetismo en cuantos se acercan a ellos. Como no podía ser de otra manera, "Los niños terribles" concluirá con un suicidio.

Ya prestigioso escritor, la diversificación de su talento no impedirá a Jean Cocteau desarrollar una dilatada bibliografía. En lo que a los dramas se refiere, se impone dar noticia de los ballets "Les mariés de la Tour Eiffel" (1928) y "Oedipus Rex" (1929), este último con música de Stravinski, así como "El águila de dos cabezas" (1946). Lo más granado de su obra varia pasa por títulos como "Potomak, Essai de critique indirecte" (1932)", "Mon premier voyage" (1937) o "Maalesh" (1950).

Cineasta desde que "La sangre de un poeta" (1930) se convirtió en un clásico del cine experimental, tras la guerra, Cocteau volvió a emplazar su cámara para rodar todo un clásico "La sangre de un poeta". Otro gran cineasta galo, François Truffaut, diría de él: "Cocteau era de un cinismo muy especial, a base de magnanimidad (...). Era amable con todos y esperaba que lo fueran con él", explicaba.


FRASES CÉLEBRES

Dios no habría alcanzado nunca al gran público sin ayuda del diablo.

El tacto consiste en saber hasta donde se puede llegar demasiado lejos.

La poesía es indispensable, pero me gustaría saber para qué.

La única técnica que merece la pena dominar es la que uno mismo inventa.

Plantearse los menos problemas posibles es la única manera de resolverlos.

Si yo prefiero los gatos a los perros es porque no hay gatos policias.

Un egoista es aquel sujeto que se empeña en hablarte de sí mismo cuando tú te estás muriendo de ganas de hablarle de ti.

Un vaso medio vacío de vino es también uno medio lleno, pero una mentira a medias, de ningún modo es una media verdad.

Yo sé que la poesía es imprescindible, pero no sé para qué.

Obras
Novela

Le Potomak, 1919.
Le Grand écart, 1923.
Thomas l'imposteur, 1923.
Le livre blanc, 1928.
Les Enfants terribles, 1929.
La Fin du Potomak, 1940.
Les deux travestis, 1947.


Poesía

La lampe d'Aladin, 1909.
Le prince frivole, 1910.
La danse de Sophocle, 1912.
Le Cap de Bonne-Espérance, 1918.
L'Ode à Picasso, 1919.
Poésies 1917-1920, 1920.
Vocabulaire, 1922.
Plain-chant, 1923.
Cri écrit, 1925.
Prière mutilée, 1925.
L'Ange Heurtebise, 1926.
Opéra, 1927.
Morceaux choisis, poèmes, 1926-1932, 1932.
Mythologie, 1934.
Énigme, 1939.
Allégories, 1941.
Poèmes écrits en allemand, 1944.
Léone, 1945.
La crucifixion, 1946.
Poèmes, 1948.
Anthologie poétique de Jean Cocteau, 1951.
La nappe du Catalan , 1952.
Le chiffre sept, 1952.
Appogiatures, 1953.
Dentelle d'éternité, 1953.
Clair-obscur, 1954.
Poèmes, 1916-1955, 1956.
Paraprosodies précédées de 7 dialogues, 1958.
Gondole des morts, 1959.
Cérémonial espagnol du phénix, suivi de La partie d'échecs, 1961.
Le Requiem, 1962.


Dramaturgia

Orphée, 1926.
Oedipe roi, 1928.
Roméo et Juliette, 1928.
La Voix humaine, 1930.
La machine infernale, 1934.
Le bel indifférent, 1940.
Théâtre I: Antigone - Les Mariés de la tour Eiffel - Les Chevaliers de la table ronde - Les Parents terribles, 1948.
Théâtre II: Les Monstres sacrés - La Machine à écrire - Renaud et Armide - L'Aigle à deux têtes, 1948.
Théâtre de poche, 1949.
Bacchus, 1952.
Nouveau théâtre de poche, 1960.
L'Impromptu du Palais-Royal, 1962.
Paul et Virginie, 1968.
Le gendarme incompris, 1971.


Pintura

Dessins, 1923.
Le mystère de Jean l'oiseleur, 1925.
Maison de santé, 1926.
Poésie plastique, 1927.
25 dessins d'un dormeur, [1928].
Soixante dessins pour les Enfants terribles, 1935.
Dessins en marge du texte des Chevaliers de la table ronde, 1941.
Drôle de ménage, 1948.
La chapelle Saint-Pierre, Villefranche-sur-mer, 1957.
La salle des mariages, Hôtel de ville de Menton, 1957.
La Chapelle Saint-Pierre, 1958.
Saint-Blaise- des -simples, 1960.


Cine

Le sang d'un poète, 1930.
La Belle et la Bête, 1945.
L'aigle à deux têtes, 1945.
Les parents terribles, 1948.
Orphée, 1949.
La villa Santo-Sospir, 1952.
L'Amour sous l'électrode, 1955.
Le testament d'Orphée, 1959.